01 septiembre, 2006

El canto y sus necesidades en el mundo de hoy

El canto puede precisarse como la herramienta perfecta y única para la expresión musical, conjugada con la palabra. Sólo a través de la voz humana podemos combinar los elementos de la comunicación verbal con los de la música. La voz es un instrumento ilimitado y de posibilidades únicas y esto ha sido demostrado en el siglo XX por voces irreverentes como las de Amstrong, Fizgerald y McFerrin. Así, a través del uso de la fonética, de las habilidades neumo-fono-articulatorias, de la musicalidad y de la perfecta armonía resonancial del cuerpo humano, un individuo con talento y dedicación tiene acceso naturalmente a un instrumento único para expresar sus ideas artísticamente. Pero el canto tiene sus necesidades más allá de lo estético, lo cual muchos profesionales de la voz no toman en cuenta y se enfrentan con frecuencia por ignorancia al serio problema de la salud vocal. Para obtener una comprensión global de la problemática del cantante, debemos precisar ciertos conceptos.

Definiremos cantante como aquel individuo que utiliza su voz como instrumento musical. Un cantante es un músico, un profesional de la voz que se dedica a sacar provecho de este instrumento para fines estéticos en el campo de las artes sonoras. Entonces podemos concluir que la voz es un instrumento musical. Y efectivamente lo es, además de ser el medio más común de la comunicación humana, ha sido históricamente un medio de expresión artística desde el principio de los tiempos. La voz ha sido usada con fines comunicacionales, religiosos, de supervivencia, entre otros; y en todos los casos ha demostrado su versatilidad y su inapreciable valor en el desarrollo evolutivo de la especie humana. En la mayor parte de las expresiones vocales, el canto ha sido protagónico; la antropología, la arqueología y la musicología, a través de sus investigaciones, revelan la necesidad natural de cantar que tiene el hombre y su íntima relación con esta expresión artística que se refleja en infinidad de manifestaciones, desde las culturas aborígenes, pasando por el canto gregoriano, la trova, la ópera, el jazz, el gospel, hasta el canto contemporáneo. El canto es y ha sido, sin duda, una responsabilidad sociocultural de los hombres a través de los tiempos, y es inevitable que viva en nuestro inconciente colectivo la necesidad inapelable de cantar. Es debido a esto que quienes se dedican a esta disciplina la aborden con tal pasión que olvidan que la voz tiene una funcionalidad fisiológica y que depende de ciertos cuidados para su longevidad.

En mi opinión, no es suficiente que un cantante se prepare como músico; la ciencia musical, su lenguaje, sus estructuras, su historia y su arte deben ser parte de su formación, por supuesto. Pero por mas culto que un individuo sea musicalmente, por más talento y musicalidad que posea, si está desprovisto de la técnica vocal y de los conocimientos básicos de la anatomía y fisiología de la voz, siempre se sentirá inseguro y desprotegido y tendrá muchos inconvenientes para lograr sus objetivos estéticos. La principal angustia de un cantante es la de quedarse sin voz. Y es natural que la tenga, si su instrumento es dañado irreversiblemente, perderá en consecuencia su más importante medio de expresión. Todos los cantantes temen ese destino, y este temor es proporcional al desconocimiento del instrumento. Mientras más alejado está un cantante de las ciencias clínicas de la voz, más dudas tiene sobre si se está haciendo daño o no, y por ende, más inseguro se siente. El cantante se debate entre sus necesidades estéticas y la preocupación por su salud. En otras palabras, tiene que decidir entre realizar las piruetas vocales necesarias para complacer a su público y preservar su salud vocal.

El cantante vive lleno de inseguridades profesionales, llena su cabeza de mitos del canto, que si se toma tal o cual brebaje para aclarar la voz, que si debe ponerse una bufanda, que si no debe salir de noche; entre muchas otras sentencias que terminan confundiéndolo más que ayudándolo a preservar su salud. Lo último que se le ocurre es visitar un terapista, un foniatra o un otorrinolaringólogo para informarse de estos problemas. Evidentemente, el canto como disciplina necesita el apoyo de otras disciplinas que lo complementen, tales como la teoría de la música, la fonética, la física acústica, la apreciación musical, etc. Hoy por hoy, los adelantos de la ciencia médica hacen indispensable que ciencias como la fonoaudiología clínica, la foniatría y la otorrinolaringología formen parte inobjetable del grupo de materias que apoyan el desarrollo del individuo que transita el camino de la técnica vocal y del canto. Si hay algo que es recomendable para el cantante es tener siempre a su disposición un foniatra y un fonoaudiólogo que apoyen su trabajo. No hay que esperar que aparezcan las patologías para ir a consulta, es menester hacer revisiones del instrumento con regularidad, lo cual no solo permitirá la detección a tiempo de algún problema funcional u orgánico, sino que ayudará a la comprensión y propiocepción del individuo sobre su instrumento vocal.

Para una completa compresión del cantante sobre las áreas que componen su profesión, lo más recomendable es tener a su disposición un equipo de personas que lo asesoren y lo guíen en su difícil camino. En primer lugar debe contar con personal médico, es decir, un fonoaudiólogo para el área funcional y un otorrinolaringólogo o un foniatra, para detectar y solventar cualquier problema orgánico. Debe contar con la ayuda de un profesor de canto y/o un coach vocal que lo provea de los elementos técnicos necesarios para lograr ciertos objetivos estéticos, le de un feedback objetivo sobre sus emisiones y expresiones artísticas y lo guíe con su experiencia en temas generales relacionados con el arte de cantar. Debe recibir la instrucción de profesores en materias generales de la música, la expresión corporal y las artes escénicas. Debe tener un tutor de algún instrumento musical que complemente su instrucción. Por último debe contar con el apoyo de músicos que colaboren en sus proyectos y complementen su educación con su consejo y la cotidianidad del compartir en tarima.

El canto es una necesidad ancestral, pero con el tiempo, el desarrollo de las nuevas tecnologías, la profesionalización de esta área de expresión artística, y las cada vez más complejas necesidades del mercado de trabajo en la industria cultural, esta disciplina se ha convertido en un núcleo artístico donde convergen muchas otras áreas que por fuerza deben complementar al profesional de la voz. Cualquier persona que se interese por esta apasionante carrera musical debe estar conciente de estas herramientas para que su transitar en el camino del canto sea más fructífero y ameno.



Lic. Alejandro Zavala
Coordinador académico ECV
correo@escueladelavoz.com

02 agosto, 2006

Música y piratería: El deterioro de un espacio cultural

Recientemente la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) anunció un significativo avance en la lucha contra la piratería musical. Se trata de un acuerdo alcanzado con Kazaa, el servicio de intercambio gratuito de archivos en Internet. La popular marca deberá legalizar sus operaciones, respetando los derechos de propiedad intelectual y afrontar una indemnización de más de 100 millones de dólares. La constante lucha contra el flagelo de la piratería en el mundo nos invita a reflexionar; de hecho, las declaraciones de John Kennedy, presidente de IFPI fueron en este tenor: "Es un buen día para la industria, pero debemos prepararnos para la siguiente batalla (…) Quien quiera que ocupe mi cargo dentro de 20 años, seguirá enfrentándose a la piratería, pero combatirla es nuestra función y responsabilidad". Y tiene toda la razón, porque los tentáculos de este problema no tienen fin, y cuando se apaga un foco aparecen mil más. Es pertinente recordar que estamos a unos pocos años de la resolución del sonado caso Napster, lo que nos demuestra que la lucha de los representantes de la industria del disco en contra de la piratería siempre tendrá grandes enemigos y será eterna, si no se toman resoluciones drásticas y creativas.

Pero hagamos un acercamiento a este importante problema y sus implicaciones para los involucrados en el mundo de la música. Citando la World Copyright Law de J.A.L Sterling, Londres, 1999, en el Art. 13. 12., la definición de piratería es la siguiente: “En su acepción habitual se entiende por piratería la actividad consistente en fabricar copias no autorizadas (“copias pirata”) de obras protegidas y distribuirlas o venderlas”. En otras palabras la piratería se trata de desconocer deliberadamente la protección por las leyes locales o internacionales de derecho de autor de una obra y dedicarse al lucro - individual o colectivo - a través de la misma, sin la autorización de los creadores. Es muy común observar, sobre todo en países del llamado tercer mundo, la existencia de un intercambio comercial espontáneo de material pirata, en el cual ninguno de los participantes de esta sub-industria parece estar preocupado por el problema de la propiedad intelectual. Esto evidentemente es una violación directa a un derecho originario o conexo protegido por las leyes que tienen los participantes de una obra, sea de tipo fonográfico o de cualquier otro índole.

No hace falta decir que tal acción es ilegal, y en leyes de derecho de autor como la venezolana está penado con prisión de 1 a 4 años. El problema es que en países como el nuestro, el marco de la legalidad no parece concordar con la realidad cuando se trata de este tipo de asuntos. En Venezuela no existen instrumentos efectivos de ejecución de la ley que permitan acercar las distancias entre lo que está escrito y lo que sucede en la práctica. Recientemente en un foro realizado en la Escuela Contemporánea de la Voz, que tenía como tema El negocio del disco en Venezuela, el Dr. Raul Bravo, abogado experto en propiedad intelectual, reflexionaba sobre la visible ineficiencia de nuestro sistema para la aplicación de una ley que en el papel no tiene nada que envidiarle a las más avanzadas del mundo; se refería a la Ley sobre el derecho de autor, aprobada por el Congreso Nacional Venezolano el 14 de agosto de 1993. En su intervención explicó que el problema de la piratería en Venezuela no es la Ley, es la falta de organismos de ejecución de la misma por parte del estado, que no se muestra interesado en asumir el costo político que puede generar una medida antipopulista como el castigo a la venta ilegal de material pirata. Entendiendo el marco socioeconómico de un país como Venezuela, donde la economía informal es el modo de subsistencia de más del 60% de la población, el panorama se ve bastante complicado.

Ahora bien ¿en qué medida afecta este problema a los que forman el engranaje de la industria de la música? No es difícil entender que para ser artista no basta con las ganas, el talento y la técnica. La persona que se dedica a las artes en general lo hace por vocación, pero no es posible ser un profesional de la música sin tener esta actividad como medio de subsistencia; esa es una realidad del mundo en el que vivimos, en el que las actividades humanas se enmarcan en el complejo ámbito del comercio. En este sentido, los talentos involucrados en la industria de la música manejan tarifas para cada una de las actividades realizadas en la cadena de producción de una obra fonográfica, y son muchas las personas que viven de la actividad comercial que genera un disco. Es una cadena que va desde el que compone la pieza musical, pasando por los que la ejecutan o interpretan, los productores, tanto musicales como ejecutivos, los diseñadores gráficos, fotógrafos, personal técnico, estudios de grabación, promotores, distribuidores, equipo de ventas, discotiendas, publicistas, locutores, etc. Cada producto discográfico funciona como bujía que enciende los motores de esta cadena y genera actividad comercial en muchas áreas que se involucran con el disco, es decir, genera empleos en una compleja industria que es de las más importantes y lucrativas del mundo: la industria del entretenimiento.

Las cifras del flagelo de la piratería son alarmantes y es visible a través de ellas el daño que le inflinge a esta cadena. Unas 20.000 millones de canciones se descargaron ilegalmente en 2005 a escala mundial. Y en el espectro tradicional, uno de cada tres CD vendidos era una copia pirata. La IFPI calcula en 4.500 millones de dólares el mercado ilegal de discos, con más de 1.200 millones de ejemplares distribuidos mundialmente. El caso de España como país del primer mundo es revelador, sus cifras no son tan alarmantes como las venezolanas, pero nos dan un reflejo del daño que se le hace a la industria: La IFPI calcula que en 2005 en España se distribuyeron ilegalmente 12,5 millones de copias falsas de CDs y DVDs musicales, y se realizaron más de 508 millones de descargas ilegales de archivos musicales en Internet, lo que supone un incremento de cerca de un ciento por ciento, frente a los 270 millones de descargas ilegales estimadas en 2004. Esta ha sido la causa principal de que se haya destruido el mercado musical por encima del 40 por ciento en los últimos cinco años, lo cual implica pérdidas de 500 millones de euros para todos los sectores involucrados, desde autores hasta artistas, pasando por productores, fabricantes y Hacienda. Por el contrario, este aumento de las cifras ilegales generó unos beneficios de más de 65 millones de euros a las redes mafiosas, tan sólo en el último año. Esto conlleva a una pérdida del 20 por ciento de los empleos en el sector y una disminución del 14 por ciento en los nuevos lanzamientos de discos. En Venezuela las cifras que arroja la Cámara de productores fonográficos en lo que se refiere a copias legales vendidas en los últimos años son en 2001: 4.290.585 Unids. en 2002: 1.535.800 Unids. en 2003: 610.000 Unids. en 2004: 2.295.285 Unids. y en 2005: 1.681.249 Unids. Estos números nos hacen pensar en la rentabilidad de una industria que vende esas cantidades dentro de una población de más de 20.000.000 de habitantes. La realidad es que en Venezuela 8 de cada 10 copias vendidas son ilegales. Esa es la razón por la cual nadie cree en la industria del disco actual como un negocio rentable. No es difícil imaginar las consecuencias de esta situación para la economía de un país en el ámbito cultural y su incidencia directa en la cultura de dicho país, la cual es la más perjudicada, porque si no se puede difundir la música, quienes la realizan dejan de hacerlo. Entonces somos todos los involucrados en esta situación, porque una región sin movimientos culturales importantes está destinada a la pobreza de pensamiento.

Hoy en día pensar en el negocio del disco a través de la venta de copias como un camino rentable es imposible. La industria no se mantiene por medio de la venta de copias, por el contrario, los artistas ven el disco como una tarjeta de presentación para darse a conocer. No es el número de copias lo que les hará ganar dinero, y menos en un país como Venezuela donde el artista que más vende llegará alrededor de las 10.000 copias. Las formas de subsistencia vienen a partir de actividades comerciales del mundo del entretenimiento en las cuales el disco sólo representa un aporte para el status del artista. Los eventos públicos, conciertos, giras, el uso de la imagen para marcas con objetivos publicitarios, etc. son las nuevas opciones de marketing en el negocio de la música hoy por hoy. En el foro El negocio del disco en Venezuela, citado anteriormente, Miguel Ángel Caputo, director de Space Music y dueño de la nueva disquera venezolana Space Records, comentó que la nueva visión en el mundo del disco debía ser de cooperación entre el artista y la disquera, porque es muy difícil en estos tiempos recuperar la riesgosa inversión que implica un disco (estimada en un promedio de 200 millones de bolívares). Entonces debe haber acuerdos diferentes a la simple venta del disco: participación de la disquera en los shows del artista, manejo de los derechos de imagen, participación en derechos patrimoniales de los temas musicales del disco, y hasta la posibilidad de la empresa discográfica de servir de proveedor de equipos y personal técnico en los conciertos del artista, en el caso de que la empresa discográfica cuente con la infraestructura necesaria. En conclusión, la búsqueda de soluciones al problema es a veces drástica, debido al marco de hostilidad que presenta el mercado.

Lo que si es definitivo es que la industria discográfica a nivel mundial está perdiendo la batalla contra la piratería por no ofrecer alternativas viables a los consumidores y por no tener la posibilidad de competir con las nuevas tecnologías al alcance del público en general. En puerta está la necesidad que tiene la industria de buscar opciones creativas para que los consumidores tomen conciencia de la problemática que implica la comercialización de la música en el marco de la piratería. Ser flexible al entorno, adaptarse a las nuevas tecnologías, plantear nuevos marcos de negociación tomando en cuenta la problemática de la economía informal, bajar los costos, reducir la cadena de comercialización, acercar el productor al consumidor, todas estas son posibles estrategias que se discuten hoy en día en los distintos escenarios de la industria discográfica. Pero la responsabilidad social en relación a este tema no compete sólo a los que manejan el negocio del disco, es menester que todo aquel que disfruta de la música entienda la importancia de su participación para la mejora de esta situación. Si no existe un ambiente menos hostil que el actual, cada vez será más difícil disfrutar del ingenio de los grandes compositores, músicos, cantantes, arreglistas y productores. Es verdad que el consumidor tiene derecho a buscar la opción más económica y viable para disfrutar de su producto, pero también es verdad que si esa opción afecta directamente al que realiza el producto, entonces no se trata simplemente de un tema de oferta y demanda, si no de conciencia individual.

Lic. Alejandro Zavala

Coordinador académico ECV

correo@escueladelavoz.com

05 julio, 2006

La canción de la semana



Canción: Guararé
Intérprete: Ray Barreto

Del disco titulado simlemente "Barreto", cantada por Tito Gómez, Guararé es el éxito mas aclamado de la salsa en 1975, tiene la fuerza y el sabor que el bailador de la época exigía, es definitivamente todo un clásico...

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Hablemos de historia...

Historia de la Salsa

La Palabra de un Hombre

En los años sesenta del siglo XX la música Latina sufría su primera gran crisis. Desplazada por la Beatlemanía, el Twist y la fiebre del Rock and Roll, daba la sensación de que nunca se iba a recobrar. Fue entonces cuando, como una de esas sorpresas que te da la vida, gracias a la imaginación de un solo hombre todo esto cambió.

Izzy Sanabria trabajaba como diseñador gráfico en los estudios de grabación Fania, en aquel entonces considerado la Motown Latina. También fue el maestro de ceremonias de la banda Fania All Stars y productor de la influyente revista Latin NY.

La gran sensación que causaron el Mambo y el Chachachá en el ámbito mundial hizo que toda una oleada de ritmos derivados de Cuba se fusionase con el Jazz. Sin embargo, las diferencias entre estos ritmos resultaban demasiado tenues, lo que los hacía prácticamente indistinguibles para los inexpertos. Esto generó gran confusión y provocó una inevitable fractura en el mercado. Fue como subirse al tren y que se le cayesen las ruedas.

Al observar la situación, Izzy se dio cuenta de que era necesario reunir todos los ritmos bajo un mismo techo para así eliminar la confusión y vender el concepto más fácilmente. Decidió buscar una palabra que los describiese a todos, que capturase la imaginación de la gente e hiciese el mercado más sencillo. Eligió “Salsa”.

El hecho de que él tuviese único acceso a la palabra, tanto por escrito como de forma hablada resultó fundamental para conseguir la aceptación pública de “salsa”. Izzy usó salsa como una interjección mientras presentaba y para describir el género en la revista Latin NY. Su elección de la palabra no fue al azar, aunque ésta pierde bastante en la traducción al inglés: “sauce” o “saucy” no tienen el mismo efecto. La traducción más aproximada sería “kick it” o “punch it” (darle un empujón). Es lo que diríamos en música para animar a una banda a aumentar la energía de una actuación.

Sin embargo, no fue Izzy quien inventó la palabra. Hay evidencia del uso de la palabra “salsa” con anterioridad, como la despedida de Beny Moré: “Hola Salsa”, y la canción “Échale salsita” del Sexteto Habanero. Muchos musicólogos hacen referencia a la existencia de estos usos anteriores, pero no consiguen dejar claro por qué la eligió y con qué propósito.

El Jazz, un componente importante de salsa, revela sus raíces en los estados más al sur de América con palabras y frases derivadas de la cocina, como “smokin”, “jammin” y “now we're cookin” que los músicos exclamaban al alcanzar un momento cumbre en la actuación. “Salsa” no sería diferente. Sin embargo, soy de la opinión de que las exclamaciones - en el género que después se conocería como salsa - se usaban de una forma más estructurada. La música tiene determinadas propiedades generales: una introducción, una fase melódica, una fase de ritmo o percusión llamada montuno, una vuelta a la fase melódica y un final. Las exclamaciones se usan para anunciar cambios de fase, especialmente en el montuno, que es la sección con mayor energía rítmica. Las palabras más usadas son por ejemplo “candela”, “salsa”, “sabroso” y “azúcar”, esta última famosamente usada por Celia Cruz.

Por ello, cuando Izzy Sanabria eligió la palabra “salsa” como elemento de unión para todos los ritmos y (por implicación) sus respectivos bailes, ya existía como metáfora musical. Salsa era, y sigue siendo, una expresión de mayor energía y emoción.

Pero la definición de salsa sigue cambiando, un dinamismo que los estudiosos de este campo no logran abarcar. Se ha extendido hasta incluir música no Cubana y bailes como Cumbia y Merengue. Ha llegado a ser un símbolo de nacionalidad, creencia política e identidad cultural. Pero lo que resulta más fascinante es la rapidez con la que la definición esta cambiando.

El mundo es cada vez más pequeño. Cada vez más gente de países y culturas diferentes aceptan la salsa, y la adoptan como suya, dándole una nueva definición en el proceso con el fin de ajustarla a sus necesidades. Es un fenómeno conocido como internacionalización. Constantemente aparecen definiciones nuevas, se unen a otras, y son reabsorbidas en un proceso continuo. Hoy salsa es un término que fundamentalmente se define a sí mismo, lo que tiene una repercusión importante en el concepto de propiedad. Algo que Izzy no había planeado de ese modo según evidencian sus páginas web.

No hace falta decir que la idea funcionó, y que gracias a su esfuerzo la música Latina revivió. Fue cuando Fania All Stars actuó en el club Cheetah de Manhattan que se filmó con el título “Nuestra Cosa Latina”. El resurgimiento fue como un estampido que culminó en el famoso concierto en el estadio Yankee con 20.000 personas en 1973.

La historia no ha sido muy favorable a Izzy Sanabria. El foco de atención parece haberle pasado por alto para prestar más atención a gente más poderosa o atractiva. Quizá pienses que yo le doy demasiada importancia, pero creo que así compensa por los que no le han dado la suficiente. Y recuerda... sólo una palabra...


Estracto de un trabajo de pregrado:

Universidad de Chile
Departamento de Pregrado

Cursos de Formación General

www.cfg.uchile.cl

Curso: “Músicas populares en la globalización”


Historia de la Salsa
Por Loo Yeo



21 junio, 2006

Algo de poética...

LOS DADOS ETERNOS

Para Manuel González Prada,
esta emoción bravía y selecta,
una de las que, con más entusiasmo,
me ha aplaudido el gran maestro.
Dios mío, estoy llorando el ser que vivo;
me pesa haber tomádote tu pan;
pero este pobre barro pensativo
no es costra fermentada en tu costado:
¡tú no tienes Marías que se van!

Dios mío, si tú hubieras sido hombre,
hoy supieras ser Dios;
pero tú, que estuviste siempre bien,
no sientes nada de tu creación.
¡Y el hombre sí te sufre: el Dios es él!

Hoy que en mis ojos brujos hay candelas,
como en un condenado,
Dios mío, prenderás todas tus velas,
y jugaremos con el viejo dado.
Tal vez ¡oh jugador! al dar la suerte
del universo todo,
surgirán las ojeras de la Muerte,
como dos ases fúnebres de lodo.

Dios mío, y esta noche sorda, obscura,
ya no podrás jugar, porque la Tierra
es un dado roído y ya redondo
a fuerza de rodar a la aventura,
que no puede parar sino en un hueco,
en el hueco de inmensa sepultura.


César Vallejo

Biografía

Poeta peruano nacido en Santiago de Chuco en 1892.
La mezcla de su sangre india y gallega produjo en él un resultado exorbitante, le infundió una inquietud agónica y creó en su espíritu la típica psicología del fugitivo.
Su vida, por eso, fue una muerte lenta, que él sentía caminarle por las venas hasta el punto de presentirla prematuramente. Para escapar a las persecuciones de que fue víctima en el Perú, real o imaginariamente, se marchó a Europa, recorriendo Francia, Rusia y España, en un esfuerzo inaudito por sobrevivir.
Publicó en 1918 «Los Heraldos Negros» y «Trilce» en 1922.
«España, aparta de mí este cáliz» y «Poemas Humanos» , fueron publicados en 1939, después de su muerte.
Después de una vida de estrecheces económicas y tras una larga enfermedad, murió en Paris en 1938.

13 junio, 2006

Personajes

Caetano Veloso
1942:

Caetano Veloso nació en Bahia (Brasil), región pintorescamente denominada ‘Santo Amaro da Purificacao’. Antes de que cumpliese un año su familia se muda a la región rural de Salvador, y es allí donde, por primera vez, Caetano Veloso se enamora de la música. Frente al deseo de la mayoría de los padres brasileños de que sus hijos se conviertan en profesionales de carrera, el niño Caetano ya sabía lo que sería de mayor: artista. Pronto ansía emular a su colega compositor Dorival Caymmi, que logra viajar a Río de Janeiro, sede del apogeo musical. De momento Veloso depura el tiempo entre la poesía y la música esperando que llegue su turno. Sin embargo, sucederá antes de lo que se imaginaba.

1965:

En la capital la cantante Nara Leao brilla en el musical “Opinion”, donde interpreta la canción cumbre del espectáculo, “Carcara”, compuesta por Joao do Vale. El cartel de “no hay entradas” se cuelga a diario, pero el infortunio está por llegar. Leao abandona el show y éste se encuentra en peligro de desaparecer si no se encuentra una sustituta de garantías. Entre todos los nombres de candidatas apuestan por la recomendación de la propia Leao, que no es otra que Maria Bethania, casualmente la hermana de Caetano Veloso (que acompaña a Bethania a Río de Janeiro con un equipaje reducido a sus canciones y sueños).
Gracias a la poderosa voz de su hermana, Caetano logra consigue grabar sus primeras canciones que, inevitablemente, suponen sus primeros éxitos.

1966:

Veloso gana el premio de Mejor Letrista con la composición “Um Dia” en el Festival de TV-Record. Esto le permite firmar su primer contrato con el sello Philips. Junto con Gal Costa graba su primer álbum, “Domingo”, cuya pieza central se titula “Coracao Vagabundo”, dedicada a la chica que se convertiría en su esposa: Dedé.

1967:

Sus apariciones frecuentes en el programa de TV “Esta Noite Se Improvisa” le convierten en un personaje cada vez más popular. Su canción “Alegria” logra el cuarto premio en el III Festival de TV-Record. Pero en sí el hito está en que es la primera vez que una pieza premiada contiene un acompañamiento de guitarras eléctricas. Esto le catapulta a la máxima popularidad. Se casa con Dedé en una ceremonia hippie que marca época y crea escuela en Brasil.

1968:

Por razones meramente políticas Caetano Veloso se ve obligado a exiliarse (pasa un tiempo en la cárcel con Gilberto Gil acusados de ser los máximos alentadores tropicalistas). Pero antes de emigrar a Londres, Veloso y Gilberto Gil actúan en el teatro Castro Alves en Salvador, la ciudad donde vivió su niñez. El concierto se graba en directo y se publica un álbum, “Barra 69. Desde la capital británica Veloso envía sus composiciones a Elis Regina (“Nao Tenha Medo”), a Gal Costa (“London London” y “Voce Nao Entende Nada”), a Erasmo Carlos (“De Noite Na Cama”) y a Roberto Carlos (“Dois e Dois”). Él mismo publica un single que se convierte en un gran éxito, “Irene Rír” y consigue grabar su primer trabajo en inglés. Comienza a actuar en diferentes países europeos.

1972:

Después de realizar algún que otro viaje aislado para visitar a sus padres, Caetano regresa a Brasil definitivamente. Comienza a aparecer en diferentes festivales de Rio, São Paulo y se recorre todo el país actuando fundamentalmente en universidades. Graba el álbum “Transa” y produce el nuevo trabajo de su hermana Bethania, “Drama - Anjo Exterminado”, el cual contiene muchas canciones suyas. En noviembre la ciudad de Salvador acoge un concierto histórico: “Caetano e Chico Buarque ao Vivo na Bahia”, que se publica en un álbum en directo. Caetano tiene su primer hijo: Moreno.

1975:

Salen al mercado dos nuevas entregas de Caetano, “Joia” y “Qualquer Coisa”, que contienen muchas canciones de los Beatles. Un año después se junta con Gilberto Gil y Gal Costa, así como con su hermana Bethania y se autodenominan Grupo Ballano, nombre bajo el que recorren Brasil con su espectáculo “Doces Bárbaros”. Como ya empieza a ser costumbre, de esta gira nace un álbum. Pero, además, es la primera vez que también se filma el acontecimiento en una película.

1978:

Aparece una antología de todas las canciones que Caetano ha compuesto anualmente expresamente para cada Festival de Rio de Janeiro. Él y Bethania actúan por primera vez solos. En un principio se trataba de un concierto único en Salvador, pero el éxito les permite comenzar una gira por todo el país. Los críticos califican el encuentro (publicado en otro álbum) como la cúspide de la creatividad, talento y sensibilidad, lo que ayuda para que “Caetano&Bethania” se convierta en un best-seller. Caetano es ya una estrella mundial y su música se disfruta regularmente en el Olimpia Theatre de Francia o en Argentina. Sus discos se venden por toda Europa, Latinoamérica, Estados Unidos, Israel y Australia.

1980:

Aparece una recopilación titulada “Brasil” con canciones de Caetano, João Gilberto, Maria Bethania y Gilberto Gil. El álbum triunfa alrededor del mundo y en Brasil es considerado una antología de su historia musical.

1981:

Caetano publica “Outras Palabras”, su primer trabajo que logra un disco de oro y el trofeo Vinicius de Moraes, en la categoría de mejor cantante. El famoso periodista brasileño Liuz Carlos Maciel escribió sobre Caetano: “Puede ser comparado con John Lennon y Bob Dylan en cuanto a la influencia que ha ejercido sobre su generación”.

1983:


El año más internacional de Caetano hasta entonces. Entrevista a Mick Jagger durante la inauguración del programa de TV “Internacional Connection”. Actúa en París, en Israel y, por primera vez, en los Estados Unidos. Las entradas para sus tres conciertos en Nueva York se agotan con mucha antelación. Y Robert Palmer, crítico musical del New York Times, califica a Veloso como “el ganador. Quien ha traído los nuevos ritmos de Brasil”. Después de celebrar su 41 cumpleaños regresa a Europa acompañado de Gal Costa, Gilberto Gil, Joao Gilberto y otros artistas para celebrar un macroconcierto en Roma, denominado “Bahia de Todos os Sambas”. Caetano consigue su tercer disco de oro por “Uns” y “Queixa”, y su álbum “Voce e Linda” se convierte en el mayor éxito radiofónico. El primer compact disc brasileño se publica en Alemania para su distribución mundial y contiene la canción de Caetano “Queixa”.

1985:

Caetano actúa tres noches en Lisboa (6.000 asistentes cada día) y una en Madrid (8.000), junto con su hermana. Un año después dirige su primera película, “Cinema Falado”, que se paseará por festivales cinematográficos en el 87. En este mismo año actúa en España, Portugal y Nueva York, y comienza a preparar su 21º álbum, “Caetano”.

1992:

Es el año de “Circulado Vivo”, para muchos su obra maestra, salpicada de bosanova y tango. Sus conciertos consiguientes son los más bellos que jamás haya ofrecido y se editan en video.

1993:

Tropicalia 2, un disco en directo con Gilberto Gil, celebra sus 25 años de amistad y otros tantos del nacimiento del movimiento.
1994:

Caetano sorprende con un disco enteramente cantado en español titulado “Fina Estampa”, el más popular en los países hispanohablantes por razones obvias (sin desdeñar su indudable magia y calidad). Es la primera vez que interpreta canciones ajenas, clásicos de la música latina que Caetano solía escuchar durante su infancia. Es su trabajo que más copias ha vendido fuera de Brasil.

1995:

El proyecto “Fina Estampa” se completa con “Fina Estampa ao Vivo”, una grabación en directo arropada por la compañía de una orquesta sinfónica (dirigida por Jacques Morelembaum, personaje ‘oculto’ pero clave en los discos de Caetano) grabada en el Teatro Metropolitan de Río de Janeiro. Incluye cinco canciones de antiguos álbumes de Caetano más piezas clásicas de los años cuarenta y de la historia de la música latina -la esencia de la obra.

1996-2000:

El cine atrapa a Caetano después de su fructífera escapada latina ( en 1996, 97 y 99, por dos veces, edita sendas bandas sonoras). Debe reseñarse específicamente su homenaje a Fellini en “Omaggio a Federico e Guilietta”, grabado en directo, en el que Veloso explora las partituras de Nino Rota, el compositor favorito del legendario director de cine italiano. Pero en 1998 marca un hito en su discografía con “Livro”, uno de sus mejores álbumes. Similar en estilo y producción al extravagante tecno-pop de “Estrangeiro” (1989), “Livro” culmina esos devaneos conectándolos íntimamente con los ritmos brasileños más ancestrales. Consigue un disco audible para oídos poco educados y para los que tienen costra de bosanova. Así, logra aunar público, crítica y búsquedas estilísticas en una de sus obras cúspide, lo que es decir mucho en la extensa despensa de Caetano.

2000-2002:

El año 2000 fue otro año agitado para CV: le invitaron al acontecimiento del año " Pavarotti and friends" y a finales de año publica "Noites do Norte". El álbum fue recibido de nuevo con entusiasmo por el público y los críticos que elogian la capacidad del artista por mantener su creatividad en constante renovación. Después de un corto descanso, Caetano comenzó una extensa gira en junio del 2001 por todo el mundo: "Noites do Norte"- El tour- le llevó por todo Brasil, Francia, Portugal, Alemania y Argentina. En Italia, además, dio un concierto privado para celebrar el 80 cumpleaños de Michelangelo Antonioni y recibió de éste, el premio "Antonioni" creado por el prestigioso director para honrar a las personalidades que más contribuyen al mundo del arte.

Caetano Veloso participa en la película "Hable con ella" de su amigo Pedro Almodóvar. La versión de "Cucurrucucú Paloma" toma nueva dimension entre las manos de estos dos genios. Esta versión queda incluida en el último disco de Caetano Veloso: Freequency (Gran Vía Musical) edita ''Lo Mejor de Caetano Veloso" en España, la recopilación definitiva de toda la trayectoria de este mito y genio de Bahía.

2002-2004:

Después de dar conciertos por todo el mundo durante dos años, al principio con la banda de Noites Do Norte y posteriormente en solitario, publica en el 2004 la versión anglosajona del Fina Stampa, A Foreign Sound, sus canciones preferidas del otro lado del océano.


06 junio, 2006

World music y neofolklore: folklore de masas

Como muchos saben, el término “folklore” fue utilizado por primera vez en la revista Atheneum (Londres, 1846), en un artículo escrito por el arqueólogo británico William Thoms, y desde entonces ha sido incorporado al vocabulario universal. De las voces inglesas “Folk” y “lore”, que significan pueblo y saber, respectivamente, este hoy por hoy conocido vocablo se refiere a todas aquellas tradiciones y manifestaciones que conforman el cuadro cultural de un país o región, es decir, todo aquello que puede enmarcarse en el saber de un pueblo. Este concepto ha sido ampliamente utilizado por antropólogos, arqueólogos, musicólogos e infinidad de investigadores del contexto social e histórico del hombre, y como otros términos conocidos, tuvo su momento cuando se consolidó, hacia el siglo XIX, dentro del contexto cultural europeo de la época. El desarrollo la expresión folklore fue de gran utilidad para la investigación en el área de la música, no olvidemos que este vocablo desde sus inicios centró la atención de los investigadores en las manifestaciones musicales, más específicamente en la canción popular. Pero como toda expresión conceptual fue creada para un momento histórico determinado y se adaptaba a una situación específica en la Europa decimonónica en la que se comenzaba a hacer distinción entre lo rural y lo urbano. No es de extrañarse que hoy por hoy todavía se le llame folklorismo a todo aquello que salga del ámbito cultural urbano y que desde la intelectualidad se vea esa cultura con cierto desdén. Es error común de musicólogos y otros investigadores estudiar lo rural con criterio de superioridad.

En los últimos años he visto cómo algunos musicólogos hablan de la consolidación de un término con características similares, pero más demarcado al ámbito musical, y que refiere a las manifestaciones mestizas actuales dentro del contexto de la globalización: “world music”. Esta es una terminología que tiene origen en las iniciativas de los empresarios discográficos del mundo anglosajón, que se interesaron en promover la música que les era ajena a los productos nacionales denominándole música del mundo. Como categoría fue incluida hacia 1987 por una estrategia de marketing de algunos sellos independientes londinenses; el objetivo de la campaña era suministrar una plataforma de ventas reconocible para producciones procedentes de culturas musicales de todo el mundo. Más adelante se fue incluyendo este término en festivales de música internacional, y otros eventos. El concepto fue calando hasta que se podía incluir cualquier estilo con aires étnicos, rurales o locales, que se presentara en una plataforma legible para la tribuna internacional, dentro de la categoría world music. Hoy por hoy el termino forma parte de discusiones de altura entre los estudiosos de la música y es bien controversial por ser hijo legítimo de la globalización, y como tal, es acusado de pretender estandarizar las sonoridades de las diversas partes del mundo a favor de lo que piden los oídos del público de las grandes potencias. Una vez más vemos cómo, a través de una terminología, el pensamiento se orienta a la ilusoria pretensión de comparar la gran urbe con las manifestaciones rurales y creer que los que estamos en la ciudad tenemos en nuestras manos la verdad; esta vez en un marco global.

En los dos casos planteados anteriormente es visible que las manifestaciones más típicas y tradicionales, incluso en el ámbito intelectual, son diferenciadas de la cultura urbana, y se pretende fragmentar el acervo de la cultura popular, creando una frontera entre el saber de las localidades ya sean urbanas o rurales. Es interesante hacerse la pregunta: ¿las manifestaciones culturales urbanas, incluso las más académicas, tienen su origen en el puro intelecto citadino? Es obvio que no. Hasta los más grandes genios de la música clásica fueron inspirados por lo tradicional. La tradición es en sí misma una inagotable fuente de materia prima para elaborar el conocimiento. A simple vista pareciera que la inclusión de los términos folklore y world music en el vocabulario del hombre contemporáneo pretenden exaltar la tradición, pero hay que observar un poco más allá para detectar la trampa intelectual en la que se quiere absorber la tradición desde la visión cosmopolita. Yo no digo que esté mal la fusión, que de hecho es la pauta a seguir de los músicos de hoy, todo lo contrario, estoy completamente a favor de los que fusionan responsablemente e informan a sus escuchas de la procedencia de sus experimentos, pero está visto que ese no es el caso de la mayoría de los productos de actualidad incluidos en la world music. Es muy común revisar las carátulas de estos discos mestizos y encontrar informaciones vagas sobre lo que hacen, cuando no nulas o erradas. De hecho, hoy en día la industria cultural no se centra en el saber popular, por el contrario, todos los focos se dirigen a la imagen publicitaria que se diseña para el marketing del artista ¿No es esta una posición irrespetuosa de lo tradicional? ¿No se obvia de esta forma la genuina necesidad humana de saber de sí mismo y sus orígenes para favorecer los intereses de la industria?

En nuestro país surge una situación similar a las dos anteriores planteadas en este artículo, no proveniente del mundo intelectual, si no de la cultura radial. Se ha introducido a través de la radio el concepto neofolklore para definir aquellas manifestaciones musicales de autores urbanos que fusionan su música con las tradiciones venezolanas. Esto evidentemente obedece al contexto socio-político y legislativo de la Ley de responsabilidad social en la radio y la televisión que ha sido puesta en vigencia recientemente en Venezuela. El hecho de que esta ley exija la participación de artistas venezolanos en radio y la inclusión de música tradicional en un porcentaje importante, ha derivado en que los empresarios de medios deban establecer estrategias para no perder el corte de la emisora y al mismo tiempo poder cumplir con los parámetros establecidos por la ley. De esta forma, englobaron en la categoría de neofolklore a aquellos artistas que mantenían un estilo urbano y fusionaban con elementos de la tradición. Esto con el objeto de radiar su música, la cual llena ese espacio que ellos necesitan cubrir. Lo dicho ha desencadenado una ola de manifestaciones urbanas (muchas de ellas improvisadas y vagas en el conocimiento de las tradiciones) que hacen eco de lo que viene pasando desde hace veinte años en el mundo entero, en el marco de la world music.

El significado de música folklórica designa aquellas manifestaciones que se transmiten por tradición oral, es decir, que carecen de notación escrita, y se aprenden de oído; han sido compuestas en su mayoría por individuos que permanecen en el anonimato o cuyo nombre no se recuerda, y obedecen a la vida cotidiana, religiosa y social de una localidad. Es curioso que se le llame neofolklore a una categoría que designa a un grupo de artistas urbanos que hacen reediciones o fusiones de la música tradicional (sólo en algunos casos folklórica) con elementos propios de la música más difundida o comercial en las urbes. Mi apreciación no se dirige a los artistas que hacen nuevas y válidas propuestas, si no a la forma en la que manejamos cultural, comercial e intelectualmente nuestra visión del arte. Entender el arte es incluso más importante que difundirlo, y esa no es la actitud que nos muestra la industria cultural, por el contrario, se adapta a las situaciones históricas para buscar la forma de vender discos y shows. Quiero dejar claro que el hecho de las ventas no es criticable, lo que puede ser objeto de cuestión es vender sin comprender lo que vendes y sin imaginar las consecuencias que puede tener esa posición para la cultura popular. En todo caso lo que estamos afectando es nada más y nada menos que nuestro acervo cultural, postura nada extraordinaria para el hombre de nuestros días, que prefiere quedarse sin ecosistema en aras de la sociedad de consumo y la producción masiva.



Lic. Alejandro Zavala
Coordinador académico ECV
correo@escueladelavoz.com

04 junio, 2006

La pregunta de la semana





Dentro de los estilos o corrientes que determinaron la historia del Jazz, ¿cómo definiría UD. el Free Jazz?

02 junio, 2006

Algo de poética...

FLOR

I

Flor se llamaba: flor era ella,
flor de los valles en una palma,
flor de los cielos en una estrella,
flor de mi vida, flor de mi alma.

Era más suave que blando aroma;
era más pura que albor de luna,
y más amante que una paloma,
y más querida que la fortuna.

Eran sus ojos luz de mi idea;
su frente, lecho de mis amores;
sus besos eran dulzura hiblea,
y sus brazos, collar de flores.

Era al dormirse tarde serena;
al despertarse, rayo del alba;
cuando lloraba, limbo de pena;
cuando reía, cielo que salva.

La de los héroes ansiada palma,
de los que sufren, el bien no visto,
la gloria misma que sueña el alma
de los que esperan en Jesucristo.

Era a mis ojos condena odiosa
si comparada con la alegría,
de ser el vaso de aquella rosa,
de ser el padre de la hija mía.

Cuando en la tarde tornaba al nido
de mis amores, cansado y triste,
con el inquieto cerebro herido
por esta duda de cuanto existe.

Su madre tierna me recibía;
con ella en brazos, yo la besaba...
¡Y entonces... todo lo comprendía
y al Dios sentido todo lo fiaba!...

¿Que el mal impera? ¡Delirio craso!
¿Que hay hechos ruines? ¡Error profundo!
¿No estaba en ella mirando acaso
la ley suprema que rige al mundo?

¡Ah, cómo ciega la dicha al hombre!
¡Cómo se olvida que es rey el duelo,
que hay desventuras sin fin ni nombre
que hacen los puños alzar al cielo!...

¡Señor!, ¿existes? ¿Es cierto que eres
consuelo y premio de los que gimen,
que en tu justicia tan sólo hieres
al seno impuro y al torvo crimen?

Responde, entonces: ¿por qué la heriste?
¿Cuál fue la mancha de su inocencia?
¿Cuál fue la culpa de su alma triste?
¡Señor!, respóndeme en la conciencia.

Alta la llevo siempre, y abierta,
que en ella negro nada se esconde;
la mano firme llevo a su puerta,
inquiero... y ¡nada, nada responde!

Sólo del alma sale un gemido
de angustia y rabia, y el pecho, en tanto,
por mano oculta de muerte herido,
se baña en sangre, se ahoga en llanto.

Y en torno sigue la impía calma
de este misterio que llaman vida,
y en tierra yace la flor de mi alma
¡y al lado suyo mi fe vencida!

II

¡Allí está! Blanca, blanca,
como la nieve virgen que el potente
viento del Norte de la cumbre arranca;
como el lirio que troncha mano impía
orillas de la fuentes
que en reflejar su albura se engreía.

¡Allí está!... La suave
primavera pasó; pasó el verano,
y la estación poética en que el ave
y las hojas se van; retornó el cano,
pálido invierno, con su alegre arreo
de fiestas y niños, y aún la veo
y la veré por siempre... Allí está..., fría
entre rosas tendida, como ella
blancas y puras y en botón cortadas
al despuntar el día...

¡Ay! En la hora aquella,
¿dónde estaban las hadas
protectoras del niño
que no vinieron con la clara estrella
de su vara de armiño
a tocar en la fernte a la hija mía,
a devolver la luz a aquellos ojos
y a arrancar de mi pecho los abrojos
de esta inmensa agonía,
de este dolor eterno, de esta angustia
infinita, fatal, inmensurable;
de este mal implacable,
que deja el alma mustia
para siempre jamás, que nada alcanza
a mitigar en este mundo incierto?

¡Nada! Ni la esperanza
ni la fe del creyente
en la ribera nueva,
en el divino puerto
donde la barca que las almas lleva,
habrá de anclar un día;
ni el bálsamo clemente
de la grave, inmortal filosofía;
ni tú misma, doliente
inspiración, divina poesía,
que esta arpa de lágrimas me entregas
para entornar el salmo de mi duelo...
Tú misma, no, no llegas
a calmar mi dolor...

¡Abrase el cielo!
¡Desgájese la gloria en rayos de oro
sobre mi frente..., y desdeñosa, altiva,
de su mal sin consuelo
al celestial tesoro
el alma mía cerrará su puerta;
que ni aquí ni allá arriba,
en la región abierta
de la infinita bóveda estrellada,
nada hay más grande, nada
más grande que el amor de mi hija viva,
¡más grande que el dolor de mi hija muerta!

Juan Antonio Pérez Bonalde

30 mayo, 2006

Personajes

Giuseppe Verdi



Compositor de ópera italiano, cuyas obras están consideradas entre las mejores de la historia de la ópera. Nació el 10 de octubre de 1813 en Roncole, estado de Parma, que por entonces se encontraba bajo el gobierno francés. Hijo de campesinos analfabetos, estudió música en la vecina ciudad de Busseto donde encontró unos protectores en los esposos Barezzi. Cuando en 1832 fue rechazado por el conservatorio de Milán a causa de su juventud y de que "sus ejercicios no mostraban especiales aptitudes para la música", entró como discípulo del compositor milanés Vincenzo Lavigna. Volvió a Bussetto en 1833 como director de la Sociedad Filarmónica.

A la edad de 25 años Verdi volvió a Milán. Su primera ópera Oberto conde de San Bonifacio se estrenó en 1839 en La Scala con escaso éxito. Su ópera cómica Un giorno di regno (Un día de reino, 1840) fue un fracaso y Verdi, ya afectado por las muertes recientes de su mujer Margarita Barezzi y de dos de sus hijos, decidió abandonar la composición. Pero al cabo de un año el director de La Scala logró convencerlo para que escribiera Nabucco (1842). Esta ópera que escribió en menos de tres meses, causó gran sensación, ya que el tema de la cautividad de los judíos en Babilonia fue considerado por el público italiano como una alusión a la oposición al gobierno austriaco en el norte de Italia.

Poco a poco fue imponiéndose la costumbre de aclamar a Víctor Manuel como rey de Italia al decir "Viva Verdi" ya que el nombre del compositor era un acrónimo de la frase "Vittorio Emanuele Rè d'Italia". A estas óperas siguieron I Lombardi alla prima crociata (1843) y Ernani (1844), ambas de gran éxito. De las 11 óperas siguientes sólo Macbeth (1847) y Luisa Miller (1849) se mantienen en el repertorio actual de ópera. Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) inspirada en El Trovador del escritor español Antonio García Gutiérrez y La Traviata (1853), que supusieron su consagración, se encuentran entre las óperas más populares de todos los tiempos.

Las óperas que Verdi escribió en su madurez, entre las que se encuentran Las Vísperas Sicilianas (1855), Simone Bocanegra (1857) Un ballo in maschera (1859), La forza del destino (1862) y Don Carlo (1867), muestran una gran maestría en la caracterización musical y una mayor preponderancia del papel orquestal. Aida (1871), también de este periodo y probablemente la ópera más popular de Verdi, fue un encargo del virrey de Egipto para celebrar la inauguración del Canal de Suez y su estreno se produjo en El Cairo. Tres años después Verdi compuso su obra no operística más importante el Réquiem (1874) para conmemorar la muerte del novelista italiano Alessandro Manzoni (aunque existía una versión del Libera me en memoria de Gioacchino Rossini, fallecido en 1868). Entre las composiciones no operísticas de Verdi cabe citar la cantata dramática Inno delle nazioni (1862) y el Cuarteto para cuerda en mi menor (1873) así como un TeDeum, compuesto a los 85 años y otras obras religiosas.
A la edad de 70 años después de un silencio de 13 años después de escribir el Requiem Verdi compuso tal vez su mejor ópera, Otello (1887), con un libreto que el compositor y libretista italiano Arrigo Boito había adaptado hábilmente de la tragedia de William Shakespeare. A continuación compuso su última ópera Falstaff (1893), igualmente adaptada por Boito de la obra de Shakespeare y considerada como una de las mejores óperas cómicas. Verdi falleció el 27 de enero de 1901 en Milán. La obra de Verdi destaca por su intensidad emocional, sus melodías armónicas y sus caracterizaciones dramáticas. Transformó la ópera italiana, que hasta entonces utilizaba argumentos tradicionales, libretos anticuados y enfatizaba la parte vocal, para crear una entidad musical y dramática unificada. Actualmente sus óperas se encuentran entre las más representadas en todo el mundo.

La canción de la semana


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Canción: Alagoas
Autor: Djavan
Intérprete: Djavan

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27 mayo, 2006

Algo de poética...

LA RENUNCIA
He renunciado a ti. No era posible.
Fueron vapores de la fantasía;
son ficciones que a veces dan a lo inaccesible
una proximidad de lejanía.

Yo me quedé mirando cómo el río se iba
poniendo encinta de la estrella...
Hundí mis manos locas hacia ella
y supe que la estrella estaba arriba...

He renunciado a ti, serenamente,
como renuncia a Dios el delincuente;
he renunciado a ti como el mendigo
que no se deja ver del viejo amigo;
como el que ve partir grandes navíos
con rumbos hacia imposibles y ansiados continentes;
como el perro que apaga sus amorosos bríos
cuando hay un perro grande que le enseña los dientes;
como el marino que renuncia al puerto
y el buque errante que renuncia al faro
y como el ciego junto al libro abierto
y el niño pobre ante el juguete caro.

He renunciado a ti, como renuncia
el loco a la palabra que su boca pronuncia;
como esos granujillas otoñales,
con los ojos estáticos y las manos vacías,
que empañan su renuncia, soplando los cristales
en los escaparates de las confiterías...
He renunciado a ti, y a cada instante
renunciamos un poco de lo que antes quisimos
y al final, cuántas veces el anhelo menguante
pide un pedazo de lo que antes fuimos!

Yo voy hacia mi propio nivel. Ya estoy tranquilo.
Cuando renuncie a todo, seré mi propio dueño;
desbaratando encajes regresaré hasta el hilo.
La renuncia es el viaje de regreso del sueño...

Andres Eloy Blanco

24 mayo, 2006

Radio Inteligente en Internet: PANDORA

¿Se pueden imaginar una estación de radio a la que le podamos enseñar qué nos gusta y qué no nos gusta escuchar, y que ella nos ofrezca música ilimitada que nos agrade siempre? Ya existe. Viene en distintos "sabores y colores" pero el que vamos a reseñar y recomendar se llama PANDORA (www.pandora.com)

El sistema es bastante sencillo e intuitivo: el usuario debe crear una cuenta (nombre y contraseña) y luego debe crear su primera estación de radio. ¿Cómo lo hace? PANDORA aprende de tí. Primero el sistema te pide que le escribas el nombre de un artista, grupo o canción que te guste, y en función a eso comienza a elaborar una lista inteligente de música con características similares a lo que tu escribiste. Aquí va un ejemplo:

Yo escribí COUNTING CROWES (la agrupación estadounidense responsable del hit Mr.Jones del siglo pasado)... la primera canción que me colocó fue de este grupo, pero, oh, sorpresa, la segunda canción fue de U2. Yo como usuario busqué la opción de "porqué me estás poniendo esta canción?" y el sistema me contestó: al iniciar con counting crowes <> quedé estupefacto.

El sistema es tan inteligente que uno puede señalar cuando una canción que está sonando aleatoriamente no nos gusta y el PANDORA se encarga de refinar la radio para que no vuelva a sonar nunca y tampoco suene nada parecido. Estos procedimientos para enseñar al PANDORA son muy sencillos, todo consiste en presionar el botón GUIDE US (guíanos) y luego decidir entre las 5 opciones posibles:

I really like this song (me gustó mucho esta canción)
I don´t like this song (no me gustó esta canción)
I´m tired of this song - don´t play it for a month (me cansé de esta canción, no la vuelva a colocar hasta dentro de un mes)
Why is this song playing? (Porqué está sonando esta canción!?)
I want to add more kinds of music to this station (quiero agregar otro tipo de música a esta estación)

Así es. En eso consiste PANDORA, sencillo y adictivo. Ah. Se me olvidaba. No hay que bajar ningun programa especial, sólo se necesita internet, y esto quiere decir que se puede escuchar en cualquier computador. Imagínense: su música en todas partes!

Mi recomendación para los amigos de la Escuela Contemporánea de la Voz es que se inscriban ya en Pandora.com y que comiencen a buscar música de grandes cantantes (Mc.Ferrin, Manhattan Transfer, Armstrong) y disfruten de una herramienta tecnológica realmente genial.


Rafael Velásquez

(Rafael es colaborador de este blog para los temas de Música e Internet, relacionados con la ECV)

La pregunta de la semana


La pregunta de la semana es una forma de interactuar con temas que nos relacionan e interesan a todos los que integramos la comunidad de la ECV, para nuestros profesores, alumnos, allegados y cualquier interesado en el mundo de la música y el canto, va la pregunta:

¿Cómo definirías la obra discográfica "Livro" 1997, de Caetano Veloso y qué incidencia tiene dentro del ámbito musical esta producción?

23 mayo, 2006

Yo tambien necesito cantar...

El canto es una de las expresiones más comunes de los seres humanos, se podría decir que es algo que pertenece a su naturaleza. Entre nuestras complejas formas de comunicación, el habla es la muestra de lo sofisticado que ha llegado a ser el ser humano en el ámbito comunicacional. El desarrollo de complejos códigos fonéticos, es decir, la organización de distintos sonidos articulados que se conjugan para llevar un mensaje a un semejante, es lo que nos ha hecho sobrevivir a las leyes evolutivas. Así como algunos animales desarrollan ciertos sentidos para su adaptación al medio ambiente, la habilidad mas desarrollada del ser humano es la comunicación. Y en ese sentido, que es propio de nuestra naturaleza y punta de lanza de la supervivencia de la especie, hemos llegado a desarrollar formas de comunicación especializadas y elaboradas, entre las cuales el canto es una de las máximas expresiones, en mi opinión.

Quizá por esa razón, por la necesidad de elaborar mensajes a través la voz y por el impulso creativo y artístico que habita intrínsecamente en el ser humano, es tan común que las personas se sientan inclinadas hacia el canto, a pesar de que en muchos casos no confíen en su talento para tal fin. Es muy frecuente que las personas me comenten: “a mi me gusta cantar, pero en la ducha” o “yo siempre he querido cantar, pero soy muy sordo”. A ese tipo de comentarios siempre respondo que si realmente están interesados, solo es cuestión de tiempo y dedicación que los ayude a cambiar de opinión. Si el ser humano pasa la vida entera entonando su voz para dar énfasis, matiz y sentido a las expresiones orales, el camino natural hacia el canto está casi labrado, los ingredientes faltantes son la técnica, la cultura y la musicalidad, todas estas habilidades que son producto del estudio y del entrenamiento. De seguro esta posición puede ser mal vista por aquellos que defienden la idea de que “se nace con el talento para cantar”, pero mi visión al respecto es que más bien se nace en lugares donde la semilla del canto es prolífera y empapa la vida de la persona afortunada por haber nacido ahí. El canto es de hecho una necesidad natural del hombre, el que no canta se priva de ella.

No es mi intención con esta afirmación decir que todo el mundo debería dedicarse al canto profesionalmente, si no que es sano para el ser humano permitirle a su naturaleza los espacios necesarios para desplegarse a través del desarrollo de actividades artísticas, que impulsen sus sentidos y lo conecten con su cuerpo. De esta forma, como desahogo a la necesidad de expresión del ser humano a través de su cuerpo y su voz, las manifestaciones que históricamente han sido preferidas por la gente son la danza y el canto. No es casualidad que estas dos actividades siempre hayan estado ligadas y que existan tantos géneros en tantas latitudes que mezclan el canto y el baile. De hecho, bailar se ha convertido en una cuestión primaria para la aceptación social en la cultura occidental y en algunas otras. Entonces, por qué deberíamos pensar en el canto como una disciplina reservada sólo para algunas personas.

Debo decir que hay grados de preparación para todas las actividades humanas, que tienen que ver con el nivel de interés que tenga la persona que se aplica en determinada área. En la danza hay grandes profesionales y genios de esa excelsa disciplina, así como aficionados, y personas que bailan sin ninguna preparación profesional. En el canto sucede algo parecido, pero no todo el mundo se atreve a cantar por miedo a la crítica ajena. La aceptación social que puede tener una persona que baila torpemente y sin técnica, no es la misma que la que canta de ese modo. Quizá por esa razón las personas se reprimen el deseo de cantar o lo anulan de su psique, pero bien podrían hacer conciencia de ello y desinhibirse. Hay muchas formas de drenar la necesidad de cantar, en general las personas buscan grupos corales o cantan en lugares públicos que tienen actividades para amateurs, lo ideal para canalizar esta necesidad es ponerse en las manos de profesionales en la materia que brinden una orientación pedagógica y muestren el camino a seguir.

El canto popular brinda la oportunidad a las personas de expresarse sin tener que apartarse de su imagen vocal o su espontaneidad, la recomendación es estudiar la técnica para preservar la voz sana y desarrollar la musicalidad, teniendo contacto con la música y estudiándola. Eso formará en cualquier individuo un conjunto de habilidades que pueden ser aplicadas en su cotidianidad sea cual sea la actividad comercial o profesional que realice, y le dará la oportunidad de practicar una disciplina que lo saque de la rutina y le permita limpiar su mente y conectarse con su cuerpo.

Recordemos que el canto es parte de nuestras necesidades humanas desde tiempos prehistóricos y que a pesar de la visión comercial y especializada que tiene el mundo moderno para todas sus actividades, el canto está en nosotros desde mucho antes que se inventara el dinero. Entonces, la invitación es a despojarse de las convenciones sociales y los complejos y a liberar la represión de cantar para convertir esta disciplina en parte de nuestra vida.


Lic. Alejandro Zavala
Coordinador académico ECV
correo@escueladelavoz.com

La Canción de la Semana


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22 mayo, 2006

La Respiración en el Canto

La voz sólo existe por el hecho de que la presión proveniente de los pulmones durante la espiración promueve y mantiene el sonido laríngeo. Para aprender a cantar es indispensable aprender a respirar bajo técnicas de entrenamiento específicas. No debemos olvidar que la respiración es la base de la fonación y por tanto el aparato respiratorio tiene funciones compartidas; o sea, es indispensable para la vida porque garantiza los intercambios gaseosos y químicos entre el aire y la sangre, y a su vez en el aspecto vocal perpetúa la fuente de materia prima para realizar la vocalización desde un punto de vista totalmente acústico.

La respiración es mayoritariamente inconsciente, instintiva, de movimientos regulares, rítmicos, simétricos y sincrónicos. Para el aprendiz de las técnicas de canto los movimientos respiratorios deben ser concientes, disciplinados, a fin de que se tornen activos y eficaces, lo que dará como resultado, luego de un prolongado entrenamiento, su disposición al servicio de la función vocal y de la música.

La respiración en la voz cantada se diferencia a la de la voz hablada. El control del soplo del cantante es fundamental, éste debe aprender a economizar, dosificar y regular constantemente el gasto del aire, según la intensidad, altura tonal, el timbre, la extensión y duración de las frases. El cantante debe retardar el cierre de las costillas con la ayuda de la sustentación diafragmático-intercostal y de la solidez de los músculos paravertebrales. Son las masas musculares las que, tomando como punto de apoyo la columna vertebral, regulan la presión espiratoria. Y sobre esta musculatura dorso-lumbar es que los músculos de la cincha abdominal y los de la parte inferior del tórax encontrarán un punto de resistencia. Entonces los profesionales del canto deben desarrollar una tonicidad muscular óptima para el mantenimiento del soplo fonatorio, la cual jamás debe ser excesiva, pero sí dosificada, sin esfuerzo y con posibilidades de relajación en todo momento.

La conciencia del proceso respiratorio es fundamental para el cantante, no solo por el hecho de que el aire es el combustible del canto, sino porque las habilidades requeridas por esta actividad en lo que se refiere a la respiración son de gran exigencia y mucho nivel de detalle. Asi pues, el cantante nunca debe subestimar la importancia de comprender el proceso respiratorio en su totalidad.

Ana Ilse Árraga

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